GÉNERO DRAMÁTICO

GÉNERO DRAMÁTICO

Obra dramática es aquella destinada a ser representada ante espectadores, y que consiste en una acción dialogada representada por personajes (actores) en un espacio (escenografía).

Como palabra técnica de la literatura, el concepto de "drama" (del griego drao, obrar, actuar) agrupa todas las manifestaciones de obras teatrales, y no debe limitarse a aquellas obras cuyo desenlace es de carácter catastrófico.

ELEMENTOS TÉCNICOS DEL TEXTO DRAMÁTICO.
Divisiones:

ACTO: corresponde a cada una de las partes en las que se divide la totalidad de la obra, generalmente, cada uno desarrolla un aspecto del conflicto, configurando la trama de manera gradual.
ESCENA: corresponde a distintos periodos de la acción dramática que están marcados por la entrada o salida de uno o más personajes.
CUADRO: Se relaciona con la ambientación física o escenografía. Los cambios escenográficos, señalan los distintos cuadros.

OTROS ELEMENTOS

ACOTACIÓN: corresponde a las indicaciones que da el dramaturgo para dirigir a los actores (forma de moverse, tono de voz, salidas o entradas, vestuarios, etc.) y los cambios de escenarios (descripciones de cada cuadro). Generalmente aparecen entre paréntesis y con una letra diferente a la utilizada en el resto del texto.

APARTE: corresponde a aquellos momentos en los cuales el personaje habla en voz alta, pero no se dirige al resto de los personajes, sino que su receptor es el público.

MUTIS: cuando un personaje “hace mutis” es señal de su retiro de la escena.

DRAMATURGO: autor de la obra dramática. Determina el ambiente y el tiempo en el que los personajes desarrollan sus acciones. Entrega indicaciones para la puesta en escena o la lectura de la obra por medio del lenguaje de las acotaciones.

PERSONAJES: seres creados por el autor que realizan y sufren la acción del conflicto. En las obras dramáticas existen varios tipos de personajes:

& Protagonista: Es el personaje principal, el más importante. Es quien representa una e las fuerzas que normalmente existen en la obra dramática y que se encuentran en conflicto.
& Antagonista: es también un personaje importante y representa a la otra fuerza que lucha. Es quien se opone al protagonista. Está en contra de que él logre sus planes.

& Personajes Secundarios: son aquellos que no representan a una de las dos fuerzas en conflicto, sino que se suman a una de las dos, dando su apoyo ya sea al protagonista o al antagonista.

& Personajes Colectivos: Son un tipo de personaje que, a pesar de ser una sola persona, representa a muchas otras. Es como si fuera la encarnación de un grupo. Puede ser, por ejemplo, un representante del pueblo, o de lo súbditos del rey.

& Personajes Alegóricos: constituyen la encarnación de aquellas cosas abstractas, que no son personas. Evidentemente, estos son personajes simbólicos, a os que se le dan las características de aquellas cosas a las que representan.

El drama está destinado a la representación ante un público; no puede tener una extensión desmesurada; debe servirse de un vocabulario inteligible; el autor, debe considerar los efectos escénicos que armonizan diálogo y movimiento; debe poner en tensión el ánimo del público, y debe representarse de una sola vez.

SUB-GÉNEROS DRAMÁTICOS

a) LA TRAGEDIA: es la imitación de una acción elevada y completa, de cierta magnitud, en un lenguaje distintamente matizado según las distintas partes, efectuada por los personajes en acción y no por medio de un relato, y que suscitando compasión y temor lleva a cabo la purgación de tales emociones.
La historia trágica imita acciones humanas en torno al sufrimiento de los personajes y a la piedad, hasta el momento del reconocimiento de los personajes entre sí o de la toma de conciencia del origen del mal.
Estructura de la Tragedia
1. PRÓLOGO: Generalmente monólogo. Antecedentes de la historia.
2. PÁRODOS: Canto inicial del Coro.
3. EPISODIOS: Actos . Separados por cantos.
4. ÉXODO: último episodio. Salida del coro.

OTROS TÉRMINOS PROPIOS DE LA TRAGEDIA:
CATARSIS: Purgación de las pasiones.

HAMARTIA: error de juicio y culpabilidad del héroe, que desencadena el proceso que culminará en la catástrofe.

HYBRIS: arrogancia irracional del héroe que persevera en su acción, a pesar de las advertencias y que lo hará enfrentarse con su destino.

PATHOS: Sufrimiento del héroe, quien vivencia una dolorosa soledad, enmarcado en el destino o fatalidad.

b) LA COMEDIA: Es la imitación de las personas más vulgares; pero no vulgares de cualquier clase, de cualquier fealdad física o moral, sino de aquella única especie que supone lo ridículo. Describe, intelectualmente deformados, los aspectos concretos y risibles de la vida cotidiana. Los personajes son de condición inferior, el desenlace es feliz y optimista, su finalidad es provocar la risa del espectador.


c) LA COMEDIA ESPAÑOLA BARROCA: Se designa así a una obra de teatro, que no tendrá que tener obligatoriamente carácter cómico. Este género se produce en España en los siglos XVI y XVII, y es una obra dramática en tres jornadas. Principales características:. eliminación de las unidades de lugar, tiempo y espacio clásicos, la acomodación de la estrofa al asunto tratado, la mezcla de lo cómico y lo trágico y la búsqueda de los temas de la tradición española. Sus finalidades son: imitar acciones humanas, pintar las costumbres, dar gusto al público.

d) LA FARSA: Obra teatral cómica que se escribe y se representa con el único fin de hacer reír al público, mediante la muestra de situaciones y personajes ridículos. Es un tipo de obras en las que la realidad se deforma estilizándola, haciéndola grotesca o carnavalizándola.

e) SAINETE: Pieza breve, generalmente de índole cómica, con personajes que casi siempre representan tipos populares. Por lo común, relatan la vida de vecindad.

f) OPERA: Composición dramática, en la que los personajes cantan íntegramente sus papeles, en lugar de recitarlos. Es el poema dramático compuesto por música.

g) ZARZUELA: Obra literario-musical, genuinamente española, en la que se combinan escenas habladas y cantadas. Suele reflejar vivos cuadros de costumbres, preocupaciones populares, sátiras políticas.

OTROS SUB-GÉNEROS:
OBRAS DE BREVE EXTENSIÓN Y CARÁCTER CÓMICO:
EL PASO (episodios cómicos puestos entre situaciones dramáticas para alargar la acción)
EL ENTREMÉS (pasaje en tono preferentemente cómico, que aparece al principio, en medio, o al final de una obra de carácter serio, sin conexión argumental necesaria con ella);


OBRAS DE CONTENIDO RELIGIOSO, HISTÓRICAMENTE SITUADOS EN LA EDAD MEDIA Y HASTA EL SIGLO XVII:

EL MISTERIO (representación dramática donde se escenificaban los cuadros del Nacimiento, Vida; pasión y Muerte de Jesucristo)
EL MILAGRO (obra que relata la vida de la Virgen, de santos, de héroes de caballería, para ilustrar los principios cristianos)
LA MORALIDAD (obra de intención didáctica y moralizante, con alegorías del vicio y de la virtud, y un combate incesante entre el bien y el mal)
EL AUTO­ SACRAMENTAL (obras con personajes alegóricos, que centraban sus argumentos en el dogma de la Sagrada Eucaristía).
Los que -además de la comedia española barroca- se marginan de la rigurosa separación entre lo trágico y lo cómico:
LA TRAGICOMEDIA (obra dramática en que se combinan el elemento trágico y el factor cómico, y que presenta personajes populares y aristocráticos, acción que no culmina en catástrofe y estilo que experimenta altibajos)
EL "DRAMÁ' BURGUÉS Y ROMÁNTICO (género literario realista, intermedio entre la tragedia y la comedia, de carácter burgués y centrado en los problemas del hombre contemporáneo -familia, profesión, relaciones sociales-),
EL GROTESCO (presenta una exageración premeditada, una reconstrucción desfigurada de la naturaleza, una unión de objetos imposible en un principio; se fusiona lo trágico con lo cómico, tratando personajes y situaciones trágicas, desde una óptica humorística).

HISTORIA DEL TEATRO GRIEGO
ORÍGENES: EL DITIRAMBO
DIONISOS
Si hay una figura clave en el nacimiento del teatro en Grecia, es el dios Dionisos. Hijo de una mortal y de un dios, es la divinidad de la fecundidad, de la vegetación y de la vendimia, lo que le permitirá ser figura estelar en la sociedad agrícola y ganadera de la Grecia primitiva.

FIESTAS EN HONOR A DIONISOS: EL DITIRAMBO
Los griegos celebraban sus fiestas al principio y al final de la siega, piden a los dioses que el campo sea fecundo, y concretamente, lo piden a Dionisos. Una procesión de danzantes dionisíacos que representan a los sátiros - compañeros de Dionisos - pasea por las avenidas de la Grecia primitiva seguida por jóvenes ansiosos de alcanzar el éxtasis dionisíaco (recordemos que Dionisos es también, como dios de la vendimia, dios del vino). En estas fiestas, un carro recorre las calles con la estatua de Dionisos sobre él, mientras los ciudadanos danzan, se disfrazan y se embriagan.
En honor a Dionisos, se sacrifica a un carnero cuya sangre fecunda los campos y se danza, danzan los trasgos (estos danzantes representantes de los sátiros, de hecho, trasgo significa macho cabrío en griego) y a la vez que bailan salmodian algunos textos: estamos ante el precedente del coro. Mientras el carnero se sacrifica sobre un altar, los trasgos giran alrededor de él con sus salmodias y sus danzas. Esto es el ditirambo, que debió llevarse a cabo en las afueras de cualquier pueblo griego durante las fiestas de la siega, en honor a Dionisos.
En cuanto al texto que salmodiaban los trasgos, lo cierto es que no lo conocemos. Probablemente tenía un estribillo y con el paso del tiempo y la evolución del ditirambo, un elemento llamado ritornello, lanzado como un grito por el coro y respondido por el guía del coro, el exarconte o corifeo, probablemente el primer actor pues ya se trata de un diálogo coro - corifeo.
De " trasgos" derivará el término tragedia. Por su parte la comedia, derivará del término "comos" que sería otro tipo de "gritos" lanzados por los danzantes dionisíacos, un tanto "subidos de tono" durante estas fiestas dionisíacas.
Sea como fuere, el ditirambo es un precedente del teatro helénico pues ya encontramos la principal característica, lo fundamental del teatro: gente que mira y gente que actúa.

EVOLUCIÓN HACIA EL TEATRO
DE LO RELIGIOSO A LO HUMANO
Sin embargo, el paso más importante aún estaba por darse. El simple canto de loa o de petición a un dios poco tenía que ver con el teatro, aunque sí con la teatralidad. Hacía falta que se "cantase" a un hombre y no a un dios. El rito religioso debía retirarse de la escena para dejar paso al hombre. Ese paso lo dio Grecia. Dionisos era mitad hombre, luego ¿por qué no cantar a un hombre que haya muerto y sea célebre? La naturaleza semihumana de Dionisos permitió a Grecia lo que otras culturas no habían alcanzado, secularizar el ditirambo.
Introducciones al ditirambo
Por otra parte, tal vez, la monotonía de las danzas y de las salmodias llevara a los trasgos a introducir nuevos elementos en el ritual, por ejemplo, algún integrante del coro saldría de él para salmodiar otra cosa ( es el corifeo) y el coro le respondería (el ritornello), poco a poco el ditirambo iría evolucionando hacia el teatro.
En un principio un "primer actor" salió del coro para disfrazarse de Dionisos, más tarde se representarían escenas de la vida del dios, y luego y finalmente, de los hombres.

Se afirma que el primero en separarse del coro fue Tespis, el primer hombre de teatro que se conoce. Tespis viajaba con su barco de isla en isla saliendo en cada fiesta dionisíaca del coro para intercalar ritornellos con el coro. Sin embargo Tespis era sólo un cuentacuentos, le faltaba el principal de los elementos del teatro: el diálogo. Tespis no era un personaje, sólo un narrador que intercalaba con el coro. En esta primera etapa, aún no era teatro propiamente dicho lo que se hacía.
El siguiente paso fundamental, y último, sería la incorporación al ditirambo del diálogo, la aparición de un segundo actor. Si Tespis era el protagonista que dialogaba con el coro, el paso siguiente sería un deuteragonista que dialogara con Tespis
El carro de Tespis con el cual viajaba introduciéndose en los coros. En cuanto a la escena, podemos ver bien su evolución:
Se creará la orquestra, será la base del teatro, allí se sitúa el coro, y aquel altar en el que antaño se sacrificara un carnero en honor de Dionisos, permanecerá de forma simbólica en el centro de la orquestra.
El protagonista y el deuteragonista necesitaban de su propio espacio, para ello se creará el proskenion (escenario). Pero en una obra hay más de dos personajes, aunque sólo dos actores, necesitan cambiarse de máscara para caracterizarse, y para ello se construye la skené, una caseta tras el proskenion en la que los actores podían variar su indumentaria para cambiar, a su vez, de personaje.
El proskenion está en alto, para ello hay unas escaleras llamadas parador que permiten el acceso del proskenion a la orquestra, de hecho, la primera parte de la tragedia se llama parador, es la bajada del coro, salmodiando, desde el proskenion a la orquestra.

Aspectos metodológicos de la didáctica de lo dramático

Como objetivos generales de la didáctica de las formas dramáticas podemos señalar los siguientes:
1 comprensión del carácter polifónico (pluralidad de códigos) de la obra teatral
2 Enumerar los códigos interactuantes en una representación teatral en grupos y subgrupos, describiéndolos
3 Sintetizar los elementos básicos de la estructura dramática
4 Clasificar producciones teatrales según los criterios tipológicos
5 Desarrollar destrezas teatrales a través de juegos dramáticos y talleres de teatro, trabajando en grupo
6 Promover la receptividad y la adquisición de los valores estéticos a través de la lectura de las obras dramáticas.

Son pues objetivos referidos a tres áreas del aprendizaje: conocer que es el teatro, valorarlo positivamente e imitarlo a través de diversas formas de trabajo. Todo ello desemboca en un objetivo final: potenciar la creatividad teatral del alumno, tanto en sus aspectos pasivos como activos, como lector/espectador, como actor o elemento activo de una representación.

Cabe aquí considerar una dimensión comunicativa y una dimensión significativa. El teatro de tradición aristotélica es concebido como vehículo para contar experiencias de interés colectivo. Su división en géneros, su separación de personajes y de estilos, su preocupación por la verosimilitud nos revela el interés por hacer del teatro una representación social con un contenido educativo.

En otro plano, la concepción del teatro como una máquina de producir signos, la fascinación ante la interacción de elementos escénicos, musicales, de danza, etc., nos acerca más a la idea del teatro como espectáculo y rito.

Esta misma dualidad puede observarse en la iniciación del teatro en el colegio. El niño y adolescente se siente atraído instintivamente hacia el juego dramático, no solo por su inclinación hacia lo lúdico sino porque la dramatización le permite proyectar sus conflictos y tensiones.

En cambio, la captación de una obra compleja o de los clásicos exige un desarrollo de ciertas habilidades de lectura, desde la interpretación hasta la composición global de la obra. En suma, toda forma teatral se presenta como un acontecimiento ficcional cuyo alcance y utilidad se ha de graduar según los niveles.

En un nivel superior el teatro ofrece una construcción argumental y de personajes, junto con una serie de convenciones dramáticas (el aparte, la división en actos, etc.). Lo que singulariza el teatro respecto a los otros géneros es esta conjunción de elementos textuales y escénicos, que obliga a un tratamiento interdisciplinar y a un trabajo en equipo.

El problema de encontrar el profesor al pasar de los juegos y representaciones dramáticas a las lecturas de obras teatrales, especialmente a partir de los cursos iniciales. Ya no se trata de que el niño o adolescente se divierta o exprese libremente, sino de que conozca algunos hitos del teatro universal.

Es evidente que la plenitud del género dramático se alcanza con la representación y la consiguiente recepción, aunque la simple lectura de un texto dramático pueda también llevarnos a su comprensión siempre que se tenga en cuenta imaginariamente la localización y el juego escénico evocado a partir de la palabra.

Por ello, desde el punto de vista didáctico, debemos insistir en que el acercamiento a lo dramático se haga a partir de la representación teatral.
Fomentar la realización de representaciones con el fin de acceder al género de la manera más correcta.
Por consiguiente, el contacto con lo dramático desde la perspectiva didáctica debe hacerse a partir de obras breves porque la brevedad es un elemento fundamental cuando se trata de la enseñanza, cualquiera que sea su nivel, ya que facilita el conocimiento y la reflexión sobre la obra.

Todo lo relativo a decorados y vestuario se debe tratar de solucionar de la forma más sencilla posible, dado los costes, que de otra manera, esto puede ocasionar, Eso supone, compensatoriamente, un derroche de habilidad e ingenio para poder crear todo un ambiente con escasos elementos.

Ocurre, sin embargo, que a menor apoyatura escenográfica, mayor debe ser el cuidado que se tenga de la actuación, que debe suplir la ausencia de ambientación de la que se parte. Por ello habría que pedir a los noveles actores un cuidado sumo en todo lo que se refiere a la memorización de su papel, dicción, mímica, gesticulación, etc., al ser de su actuación, dada las condiciones de las representaciones del tipo didáctico en general, la única apoyatura con que cuenta el texto dramático para crear un espectáculo que atraiga al espectadora

Una vez dominado el papel interesa conseguir una dicción adecuada, para lo que primero hay que impedir es la recitación con sonsonete, explicando a los actores que el teatro trata de reproducir la realidad y nadie habla así.